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PUBLIC SPACE | BENEDETTA TAGLIABUE

Possiamo affermare che il punto di forza della Napoli contemporanea sia rappresentato dal sistema del trasporto metropolitano, che annovera stazioni a dir poco spettacolari, firmate da progettisti di fama internazionale.

La più recente è quella del Centro Direzionale, progettata da Benedetta Tagliabue. La nuova fermata è caratterizzata, per la parte fuori terra, da un’imponente struttura in legno lamellare, che assomiglia a una cattedrale. Sotto terra, le scelte progettuali si avvicinano di più alle logiche del design e della componentistica modulare, secondo una consolidata visione sistemica. Le pareti e i soffitti delle banchine sono rivestiti da pannelli metallici verniciati con tinte vivacissime, dai toni tra il giallo e il rosso. Un effetto esplosivo, che richiama una solarità tutta partenopea. Il lavoro, appena completato, è ancora poco documentato fotograficamente, ma noi siamo in grado di anticiparne la potenza espressiva.

The gold of Naples – We can say that the strong point of contemporary Naples is represented by the metropolitan transport system, which includes stations that are nothing short of spectacular, designed by internationally renowned designers.

The most recent is the Centro Direzionale, designed by Benedetta Tagliabue. The new stop is characterized, for the above-ground part, by an imposing laminated wood structure, which resembles a cathedral. Below ground, the design choices are closer to the logic of design and modular components, according to a consolidated systemic vision. The walls and ceilings of the platforms are covered with metal panels painted with very bright colors, in tones between yellow and red. An explosive effect, which recalls a very Neapolitan solarity. The work, just completed, is still little documented photographically, but we are able to anticipate its expressive power.

SITE SPECIFIC | OLAFUR ELIASSON

Breathing earth sphere è una nuova installazione a firma di Olafur Eliasson. È stata realizzata a Docho Island, in Corea del Sud, scavando all’interno di una collina facente parte di un giardino. Un soffitto aperto sporge dal terreno come una cupola, consentendo alla luce del sole di illuminare direttamente la superficie sotterranea, che appare come un mosaico di tessere poliedriche nei colori rosso, verde e ciano.

Il soffitto aperto incide in modo determinante sull’identità generale dell’ambiente, poiché esso assorbe i cambiamenti della luce naturale e del meteo, lasciando all’opera un forte margine di imprevedibilità.

Entrando, l’installazione evoca il ventre del pianeta che respira, in un’esperienza meditativa che alterna 2D (il pattern cromatico, ottenuto da piastrelle in pietra lavica) e 3D (lo spazio concavo).

Color that breathes – “Breathing earth sphere” is a new installation by Olafur Eliasson. It was created on Docho Island, South Korea, by digging into a hill that is part of a garden. An open ceiling protrudes from the ground like a dome, allowing sunlight to directly illuminate the underground surface, which appears as a mosaic of polyhedral tiles in the colors red, green and cyan.

The open ceiling has a decisive impact on the general identity of the environment, as it absorbs changes in natural light and weather, leaving the work with a strong margin of unpredictability.

Upon entering, the installation evokes the belly of the planet that breathes, in a meditative experience that alternates 2D (the chromatic pattern, obtained from lava stone tiles) and 3D (the concave space).

URBAN ART | TAVAR ZAWACKI

Il californiano Tavar Zawacki è uno degli artisti più rappresentativi nel campo delle installazioni urbane basate sul colore. Questa attività è affianca da un vasto ciclo di opere su tela, sempre di grandi dimensioni. Insomma, l’artista ama inondare le superfici di colore organizzato in chiave geometrica, giocando anche con ombre e sfumature.

Tra i suoi lavori più noti troviamo Fusion, situata a Boston, che riveste un immenso muro di cinta di un impianto urbano altrettanto enorme. Una sequenza di strisce a colori brillanti, ad andamento orizzontale, interpreta il contesto su due piani: la dilatazione della scena periurbana e il flusso incessante di veicoli nella strada prospiciente. Quest’ultimo viene tradotto con un’applicazione pittorica che esalta il movimento, con tinte unite o con giochi di gradazione, secondo reminiscenze perfino futuriste. Ma il colore è anche luce: questo gigantesco pattern cambia effetto visivo anche al variare del cielo e dell’illuminazione stradale.

Super-dynamic road – Californian Tavar Zawacki is one of the most representative artists in the field of urban installations based on color. This activity is accompanied by a vast cycle of works on canvas, always of large dimensions. In short, the artist loves to flood the surfaces with color organized in a geometric key, also playing with shadows and shades.

Among his best-known works we find Fusion, located in Boston, which covers an immense boundary wall of an equally enormous urban installation. A sequence of brightly colored stripes, with a horizontal trend, interprets the context on two levels: the expansion of the suburban scene and the incessant flow of vehicles in the facing street. The latter is translated with a pictorial application that enhances movement, with solid colors or with gradation games, according to even futurist reminiscences. But color is also light: this gigantic pattern changes visual effect even with the variations of the sky and street lighting.

TABLEWARE | KARIM RASHID

Non è vero che Karim Rashid, brillantissimo designer contemporaneo, propone soltanto pezzi esclusivi e visivamente “impegnativi”, ovvero con un’identità dirompente. Lo dimostra la collezione di stoviglie “Confetti” disegnata di recente per Aida, storica azienda danese di articoli per la tavola.

Piatti, tazze e ciotole, in ceramica smaltata glossy, presentano un’immagine assai conviviale e molto vicina agli stili della nostra quotidianità. Linee semplici, una delicata texture radiale in rilievo sul bordo di ciascun pezzo e tanto tanto colore. La grande estensione della palette concede al cliente la possibilità di creare infinite combinazioni cromatiche, rendendo la tavola un paesaggio allegro e personalizzato.

I colori spaziano dalle tonalità fredde a quelle calde, ma sono tutti caratterizzati da una certa delicatezza e da una cromaticità intermedia. Insomma, una collezione gustosa per la bocca e per gli occhi.

Double taste at the table – It is not true that Karim Rashid, a brilliant contemporary designer, only offers exclusive and visually “challenging” pieces, that is, with a disruptive identity. This is demonstrated by the “Confetti” tableware collection recently designed for Aida, a historic Danish company.

Plates, cups and bowls, in glossy enamelled ceramic, present a very convivial image and very close to the styles of our everyday life. Simple lines, a delicate radial texture in relief on the edge of each piece and lots and lots of colour. The large extension of the palette gives the customer the possibility of creating infinite colour combinations, making the table a cheerful and personalised landscape.

The colours range from cold to warm tones, but are all characterised by a certain delicacy and an intermediate chromaticity. In short, a tasty collection for the mouth and the eyes.

INTERIOR | VILLA DE MÛRIR

Villa de Mûrir è il flagship store del marchio di cosmetici omonimo, dove i clienti possono sperimentare la “Beauty Pairing Community”.

Per questa nuova struttura, situata a Seoul nel distretto di Gangnam, lo studio Collective B ha identificato un preciso colore associato al verbo francese “mûrir” (“maturare”): il “mûrir pink”, che è stato ricondotto a tre tonalità, da utilizzare in modo differenziato nelle singole zone, a seconda delle esigenze visive. Però il più luminoso dei tre toni, il rosa corallo, domina il bar.

Per quanto riguarda le forme, la scena è caratterizzata da sagome tondeggianti, che simboleggiano il rispetto di Mûrir per la diversità tra le persone e per le varie forme della bellezza, proprio come accade per i frutti e per i fiori. E così questo ambiente fiabesco, con le luci ovattate, diventa la scena dell’inclusione

The box of confetti – Villa de Mûrir is the flagship store of the eponymous cosmetics brand, where customers can experience the “Beauty Pairing Community”.

For this new structure, located in Seoul in the Gangnam district, the Collective B studio identified a specific color associated with the French verb “mûrir” (“to mature”): “mûrir pink”, which was reduced to three shades, to be used differently in the individual areas, depending on the visual needs. However, the brightest of the three tones, coral pink, dominates the bar.

As for the shapes, the scene is characterized by rounded silhouettes, which symbolize Mûrir’s respect for the diversity between people and for the various forms of beauty, just like it happens for fruits and flowers. And so this fairytale environment, with its soft lights, becomes the scene of inclusion.

ART | ETTORE SPALLETTI

Ettore Spalletti (1940 – 2019), uno dei maggiori artisti italiani del secondo Novecento, è noto per aver dato vita a un connubio profondo tra pittura, scultura e installazioni site specific attraverso opere tridimensionali. In particolare egli ha esplorato il rapporto tra opera, spazio e colore. Le opere di Spalletti sono costruite come delle forme rigorose e archetipiche, che si estendono nello spazio modificandone la fisionomia iniziale, in un vero e proprio rapporto simbiotico.

L’azzurro è la cromia che più ricorre nelle sue opere, riverberato dalla luce che l’artista modula accuratamente: l’opera viene concepita come un’esperienza dinamica ma anche spirituale. Questo, per lui, è un colore atmosferico: «Non è un colore di superficie e si modifica continuamente a causa delle radiazioni, colore del cielo e del mare, colore che è trasparente, nel quale siamo sempre immersi e vive come condizione ambientale che abbiamo intorno. Un colore che ha una sua magia. L’azzurro non esiste in natura, lo si trova solo in una realtà impalpabile, che non è superficie, che è profondità».

Metaphysical light blue – Ettore Spalletti (1940 – 2019), one of the greatest Italian artists of the second half of the twentieth century, is known for having created a profound union between painting, sculpture and site-specific installations through three-dimensional works. In particular, he explored the relationship between work, space and colour. Spalletti’s works are constructed as rigorous and archetypal forms, which extend into space, modifying its initial physiognomy, in a true symbiotic relationship.

Blue is the colour that most recurs in his works, reverberated by the light that the artist carefully modulates: the work is conceived as a dynamic but also spiritual experience. This, for him, is an atmospheric colour: «It is not a surface colour and it changes continuously due to radiation, the colour of the sky and the sea, a colour that is transparent, in which we are always immersed and lives as an environmental condition that we have around us. A colour that has its own magic. Blue does not exist in nature, it is found only in an impalpable reality, which is not surface, which is depth».